2025年は“ゴッホイヤー”。国内で3つの大型展覧会が開催され、見逃せない一年になる。令和7年はゴッホの熱気が日本を包む。
その口火を切るのが、5月31日から箱根のポーラ美術館で半年間にわたって開催されている『ゴッホ・インパクト』
トリを飾るのが9月20日から神戸市立博物館で開幕し、ゴッホの三大人気作《夜のカフェテラス》が来日する『大ゴッホ展』（2027年は《アルルの跳ね橋》も来日）
そのあいだをつなぐように、7月5日から8月31日まで、大阪市立美術館で始まるのが『ゴッホ展 家族がつないだ画家の夢』である。
この展覧会は、9月12日(金)から12月21日(日)まで東京都美術館、2026年1月3日から3月23日に愛知県美術館にも巡回予定だが、東京に先駆けて大阪で開幕するのは珍しい。関西でゴッホをいち早く体感できる貴重な機会である。
「ゴッホ展 家族がつないだ画家の夢」の魅力
最初期から最晩年の作品30点以上
本展のテーマは、「家族の絆が支えたゴッホの夢」。家族が保管したオランダ、パリ、アルル、サン=レミ、オーヴェール時代の絵画、ゴッホの画家としての歩みを一気に辿る初期から晩年の作品30点以上が来日する。
特にゴッホが画家を志した二十代の作品が観られるのは貴重。
オランダの美術館が全面協力
特筆すべきは、ゴッホ美術館やアムステルダム市立美術館をはじめとするオランダの主要美術館が全面協力している点。
今年4月にオランダの美術館巡りをした際、現地で展示されていなかった作品も日本で展示される。この夏しか体験できない“特別なゴッホ”に逢える機会だ。
《夜のカフェテラス》のような超有名作は来ないが、ゴッホの人柄に触れられる味わい深い作品が揃っている。派手さはないが、心にじんわり沁みる。そんな展覧会になる。
この夏、ゴッホの原点と軌跡をたどる旅へ。「夢」をつないだ家族の物語とともに、ゴッホの絵に逢いに行ってほしい。
初日のゴッホ展レポート
2025年7月5日（土）9時半。テープカットと同時に大阪市立美術館を訪れると、予想以上に長蛇の列。有名作が来ない展覧会でもゴッホ人気は健在。《夜のカフェテラス》が来日する神戸の初日は、どれほどの列をなすのか。
事前にオンラインチケットを取って日時指定をしていたが、絵と対面できたのは9時50分。他の展覧会なら地獄だが、ゴッホ人気があるのは嬉しい。
唯一の撮影OKエリア
ゴッホ展は全作品、撮影禁止。出口に映し出されるスクリーンだけOK。撮影不可はともかく、混雑防止の再入場不可は美術館好きにとっては痛手。大阪市立美術館は通路も狭いので往復しにくく、カフェで頭をリセットしてからも観たいが、それができない。ここは再考してほしいところ。
ミュージアムショップ
出口のミュージアムショップは、アジア人がグッズを爆買い。レジカゴ3つに詰め込んで会計も長蛇の列。きっと自国に帰って転売ヤーするのだろう。
見事だったのは、3Dプリンターで作った「アルゴグラフ」の複製画。再現度のクオリティが高い上に、触ってもいい。サイズも様々で素晴らしい商品。4月にオランダで実物を観ているが、十分に満足できる品質。お金持ちになったら《花咲くアーモンドの木の枝》の複製画を欲しい（29万8千円）
久しぶりに図録を買ったが、紙質といい、構成といい、クオリティが高い。3300円と高価だが、購入の価値あり。
ゴッホ展の注目作品・みどころ
「ゴッホ展 家族がつないだ画家の夢」は、“誰もが知る名作”が一つもないという点で、物足りなく感じるかもしれない。だが、それこそが展覧会の面白さでもある。
展示されているのは、メジャーリーガーには届かなかったゴッホ作品たち。とはいえ、生涯に残した約900点の油絵の中からゴッホ美術館、アムステルダム市立美術館に展示されているだけあって、その完成度は高い。
4月にオランダを訪れたときには、どうしても有名作品に目を奪われてしまったが、今回はじっくりと作品と向き合うことができ、「こんなに魅力的な一枚だったのか」と新たな発見がいくつもあった。
ゴッホ・ファンにはたまらない構成だが、予備知識がなくても十分に楽しめる。表舞台の陰に隠れた、静かな情熱を感じる作品群に触れられる貴重な機会。訪れる価値は間違いなくある。
オランダ時代
ゴッホが画業をスタートさせたオランダ時代。色彩は暗褐色が多く、デコボコの凹凸はなく平坦。農村や「土」を多く描いた。地味だが、自分の好きなものを描くところに、ゴッホの自分に誠実な人柄が出ている。
《ヨーゼフ・ブロックの肖像》
- 制作：1882年11月
- 寸法：38.5ｘ26.3 cm
- 所蔵：ゴッホ美術館
言ってしまえばただの「上手い肖像画」。けれど、その一枚には、始まりの静けさと、のちの激しさをはらんだ種が眠ってる。
描いたのはゴッホ、29歳。ハーグで絵を学びはじめた頃。鉛筆とクレヨン、水彩が紙の上で静かに混ざり合い、無名の画家が最初に刻んだ輪郭がここにある。
「上手さ」から出発したゴッホが、のちに筆を変貌させていく、その入口。この絵はまだ叫ばない。だが、深く息をひそめて、燃える準備をしている。
《ルナリアを生けた花瓶》
- 制作：1884年1月
- 寸法：65ｘ51 cm
- 所蔵：ゴッホ美術館
初めてゴッホが描いた静物画のひとつ。まだ風が吹く前のゴッホ。色は沈み、光も叫ばない。全体が平坦で、慎重で、控えめ。まだゴッホらしさに辿り着いていない。激情の前の静寂。その貴重な時間が封じ込められている。
《田舎家》（小屋）
- 制作：1885年5月
- 寸法：65.7ｘ79.3 cm
- 所蔵：ゴッホ美術館
ゴッホ美術館で観たときの写真。《ジャガイモを食べる人々》のあとに描かれた一枚。ゴッホが耳をすませ続けた農村の息づかいが宿っている。生活の匂いがある。寒さに縮こまる光と、夕闇にまぎれる人の影。寂しいけど、淋しくはない。
ゴッホは農村という名の心臓が、ゆっくり脈打つ音をすくいとった。誰にも気づかれない小さな鼓動を、絵筆でそっと抱きしめるように。ここにあるのは、風景ではなく、暮らしの体温。
パリ時代
ゴッホの色彩が明るくなる時代。パリで2年間を暮らし、テオのアパートに転がり込みながら、モンマルトルにあるフェルナン・コルモンの画塾に通う。
《アブサンが置かれたカフェテーブル》
- 制作：1887年2月-3月
- 寸法：46.3ｘ33.2 cm
- 所蔵：ゴッホ美術館
色彩が明るくなるパリ時代。ゴッホが仕事終わりにカフェで愛飲していたアブサン。窓の外では、人が行き交い、街が呼吸している。けれど、テーブルの上は静まりかえってる。ガラスの水差しと、薄黄緑のアブサン。その配置だけで、物語が始まってる。
この酒は強い。しかし、絵のなかのアブサンは涼しげで、やさしい。孤独にそっと寄り添うように、そこにいる。
夜の酔いとは違う、昼の静けさ。ゴッホがカフェの片隅で、ガラス越しの世界と向き合いながら、静かに自分と語らっていた。そんな時間が、この一枚には流れてる。
苦さも、眩しさも、すべてを光が洗い流すような一瞬。
《モンマルトル、風車と菜園》
- 制作：1887年3月-4月
- 寸法：45.2ｘ81.4 cm
- 所蔵：ゴッホ美術館
大部分が空。空疎、空虚、そして風車の郷愁。パリの北端、花の都の喧騒から少し離れた丘の上。そこにあったのは、街ではなく風車と畑。
ゴッホはこの場所を好んだ。華やかな都会に背を向け、風の抜ける土のにおいに惹かれていた。
風車は回っているようで、止まっている。動きがなくても、時間が流れている。その静けさのなかに、故郷オランダの影がうっすら重なる。見ているのはモンマルトル、心のなかにはオランダの風が吹いている。
華やかさに背を向けた男の誠実さ。それが筆に宿る。ひねくれ者だが、自分の好きなことに誠実。だからゴッホはゴッホになれた。
《モンマルトルの菜園》
- 制作：1887年3月-4月
- 寸法：113.5ｘ146 cm
- 所蔵：アムステルダム市立美術館
今回の企画展で最も良かった一枚。ゴッホの全作品の中で最も大きなサイズの絵画。アムステルダム市立美術館から特別に来日。
大きさに見合うだけの、想いの重みが詰まっている。すべての線が、風車に向かってのびていく。畝も道も、柵も空も、筆の一閃ひとつひとつが、ひとつに収束していく。風車こそがこの風景の中心であり、心の羅針盤。
ゴッホはモンマルトルの丘に立ちながら、目の奥ではオランダを見ていた。乾いた土にスケッチブックを広げる姿は、風と戦うドン・キホーテ。その戦いは誰のためでもなく、自分の中の“原風景”と向き合うための旅。
ここには、静けさと懐かしさ、そして風の音がある。色彩は震え、筆致はざわめき、すべてが郷愁を語っている。モンマルトルの風に乗せて届いた、ゴッホからの手紙。
《イーゼルの前の自画像》
- 制作：1888年1月
- 寸法：65ｘ51cm
- 所蔵：ゴッホ美術館
展覧会のメインビジュアル。ゴッホが、来館者に「よう来たやん」と迎えてくれる。
アルルに旅立つ前、パリで描いた最後の自画像。パリ時代にゴッホが描いた自画像の最高傑作。
色は鮮やか。服も顔も背景も、すべてが微細に震えている。一番強く発光してるのは、その眼。見つめているのは目の前の鏡ではなく、遠くの光。まだ描かれていないカンヴァスを、まだ知らぬ南仏の太陽を、まだ出会っていない誰かの心を。
筆を持つ手は静かに、強く握られている。髪の色とイーゼルの木目が、祝福のように呼応して光っている。髪とイーゼルの色が、輝けるアートを生み出す祝福の光源である。
アルル時代
世界的に有名な絵画（ひまわり、夜のカフェテラス、ローヌ川の星月夜など）を生み出していくアルル時代。南仏の明るい太陽を浴びて、青と黄を使ったゴッホの色彩が確立していく。
《アルルの老女》
- 制作：1888年2月
- 寸法：58ｘ42 cm
- 所蔵：ゴッホ美術館
黄色い家に住む前、カレル・ホテル滞在中に描いた一枚。おそらくホテルの関係者。日本人のおばあちゃんと言われても遜色ない。
シワの深さも、まぶたの重さも、まっすぐな眼も。描かれているのは「老い」ではなく「生きてきた時間」の年輪。ゴッホは、おばあちゃんを捉えるのが上手い。他人なのに、自分の祖母を思い出す。誰にとっても“自分のおばあちゃん”になれる。
《サント＝マリーの浜辺の釣り船》
- 制作：1888年6月
- 寸法：65ｘ81.5 cm
- 所蔵：ゴッホ美術館
漁師の姿はどこにもない。浜に並ぶのは、空っぽの船。けれど、その船たちは、どれもカラフル。オレンジ、イエロー、ブルー、グリーン。子どもの塗り絵みたいに。孤独のなかにも、消えない希望がある。
海はすぐそこにある。波のかたちも、空の筆致も、生きてるようにうごめく。沖のほうに目をやれば、帆を立てた小さな船が、風に乗って並んでいる。
この船たちで、どこかへ行ける気がする。ゴッホもきっと、この海を見ながら、いつかの“ここではないどこか”を夢見ていた。
この絵には、童心と旅心、まだ見ぬ明日が描かれている。
海路は続く、どこまでも。
《畝》
- 制作：1888年9月
- 寸法：72.5ｘ92.5 cm
- 所蔵：ゴッホ美術館
視線は自然と右奥へと導かれる。細くのびる畝のラインが、消失点へ向かって風のように流れていく。その向こうには、家々と森と、ほんの少しの人影。本当に描かれているのは、地面と空とのあいだ。
雲が低い。地面に吸い寄せられるように漂っている。雲が畑の上を泳いでいる。
地面は、固い土ではなく、波立つ川のようにうねる。
ゴッホの絵には、しばしば“水の気配”がある。たとえ乾いた畑でも、心に流れる河が見える。それはオランダ。低地と運河の国、遠く離れた心の風景が、いつも顔を出してくる。
この絵は風景画、同時に“心の地形図”でもある。ゴッホは遠くの水音を聴いている。
《夕陽に染まる種まく人》
- 制作：1888年11月
- 寸法：32.5 cm x 40.3 cm
- 所蔵：ゴッホ美術館
燃えるような夕陽、ねじれる木、そして黙々と種を蒔くひとりの男。この光景には、ゴッホの生き方がそのまま映し出されている。
画面にはっきりと描かれた“種”。それは収穫の約束ではなく、ただの始まり。「実る」ことが目的ではない。たとえ報われなくても、誰かが振り返らなくても、「蒔く」ことそのものに、意味がある。
種を蒔くという行為には、希望も、悲しみも、祈りも、ぜんぶ込められている。
それがゴッホにとっての絵を描くこと。評価されるより、理解されるより、種を蒔く。
夕陽に照らされるその姿は、蒔くことにすべてを賭けた男の、静かで、熱い手のひらの記録。
サン＝レミ時代
アルルから北東20キロにある療養院で1年間、生活をするサン＝レミ時代。苦悶の暮らしなかでゴッホは、歪みの代名詞《星月夜》、《糸杉》《花咲くアーモンドの木の枝》など、ゴッホの最高傑作が生まれていく。
《オリーブの林、明るい青空》
- 制作：1889年9月
- 寸法：45.3 cm x 59.1 cm
- 所蔵：ゴッホ美術館
ゴッホの最高傑作《花咲くアーモンドの木の枝》や、最も有名な《星月夜》を生み出すサン＝レミ時代。ゴッホが愛した風景のひとつがオリーブ園。ゴッホはこのオリーブ園を、何度も何度も描いた。15点以上。季節を変え、光を変え、心を変えながら。
ゴッホ美術館でも観たが、さらに良かった。
大地から生まれた龍のように、空へ伸びていく。線は素描のように太く、簡潔。
登っていく。這い上がっていく。苦しみのなかでも、希望の方へ。これまでゴッホが繰り返し描いてきた「土」の力が発揮されている。
《オリーブ園》
- 制作：1889年11月
- 寸法：73.2 cm x 92.2cm
- 所蔵：ゴッホ美術館
点描による生命感が凄い。空も樹も土も同じ仲間。この頃のゴッホの絵が最も力強い。
点描がざわめいている。空も、樹も、土も、それぞれに命を宿しながら、同じ言語で話し合っている。葉は震え、幹はうねり、地面は鼓動する。バラバラに見えるものが、すべてつながっている。そんな“いのちの対話”が詰まってる。
空も土も、孤立していない。みんな同じ仲間。みんな同じ場所から生まれてきた。それがこの絵の力強さ。
《夕べ（ミレー）》
- 制作：1889年10月-11月
- 寸法：74.2 cm x93.0cm
- 所蔵：ゴッホ美術館
ゴッホが心の奥で、ずっと師と仰いでいたフランソワ＝ミレー。その白黒の版画に、ゴッホは自分の“色”をそっと吹き込んだ。それは模写ではなく、“翻訳”。言葉のない色彩で語る、ひとつの家族の物語。
夫は椅子に沈み、妻は縫い物をしている。子どもはまだ幼く、猫は暖炉のそばで丸くなる。「暮らし」という名の、あたたかい炎。
《ジャガイモを食べる人々》のような貧困との闘いではなく、小さな疲れ、小さなやさしさ、ささやかな家族の温もり。ゴッホは、白黒の世界では届かない、ほんのりとした体温を描いた。
オーヴェル時代
ゴッホが37歳で亡くなったオーヴェル＝シュル＝オワーズの時代。亡くなるまでの2ヶ月間、ゴッホは1日1枚の驚異的なペースで絵を描く。その多くが歴史に名を残す傑作（オーヴェルの教会やドービニーの庭）であり、1枚数十億円の値段がつく。つまり、ゴッホの日給は今で言えば日給10億円以上ったことになる。
《農家》
- 制作：1890年5-6月
- 寸法：38.9 cm x46.4cm
- 所蔵：ゴッホ美術館
ゴッホ終焉の地・オーヴェール＝ シュル＝オワーズに来たばかりに描いた一枚。
屋根は緑に染まり、壁は白く光を跳ね返す。ゴッホにしか見えなかった“心の色”。
青や黄を愛したゴッホがたどり着いた最後の色、それが「緑」。
若さの色ではなく、再生の色。優しさと、やわらかな色。
《ドービニーの庭》へと続くこの一枚。その筆先には、赦しと、静かな「ありがとう」が宿っている。
総括：ゴッホ展の素晴らしさ
撮影禁止だったのは残念だったが、それでもゴッホ・ファンにはお勧めしたい展覧会だった。オランダのゴッホ美術館では、超有名作が常設展示されているため、今回のような“マイナーリーガー”たちを目にする機会は少ない。これほど多くの作品を貸し出してくれたオランダには、感謝の気持ちしかない。
会場の大阪市立美術館の展示も良かった。絵と絵の間隔が広く取られ、ひとつひとつにじっくり向き合える。壁の色も黒や肌色などに変化をつけ、展示室をS字に巡っていく構成も、単調さを感じさせない工夫がされている。
ゴッホの作品に限って言えば、白い壁が最も絵の魅力を引き出すが、今回の展示の洗練さは品があり、オランダの美術館に対する敬意が伝わってきた。
機会があれば、東京や名古屋の会場にも足を運んでみたい。それぞれ、どんな展示演出になっているのか、とても愉しみである。
空前絶後のアート本、登場！
美術館に行く前に読むと、絵の見方が180度変わります。『アートは燃えているか、』は、図版なしで名画をめぐる“言葉の美術館”です。ゴッホの最高傑作も、この本の中で決定します！絵を観る天才が何を語るのか、その眼で確かめてください。
→ 書籍の詳細を見る [アートは燃えているか、]
ゴッホの炎の人生・画業を完全解説
ゴッホの有名絵画・代表作を完全網羅
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2025年のゴッホ展
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